Ретроспектива Антона Сташевича: 150 работ художника в музее «Искусство Омска»

150 с лишним работ — от детских рисунков до лентикуляров и позднего цифрового проекта — это не мемориальный каталог, а попытка омской институции вернуть себе имя, чья карьера формировалась в столичном контексте. Сбор гостей — в 18:00, открытие — в 19:00.

Метод как отдельный жанр

Сташевич вырос в семье художников, учился и начал работать в Омске, потом перебрался в Москву. В интервью 1998 года он сам называл собственный метод «дикой смесью» — и эта формула точнее любой стилистической бирки. В одной работе у него могли встретиться экспрессионизм, поп-арт, комикс, манга, рекламная графика и случайно найденное изображение; звезда, сердце, игрушечный солдатик, сфинкс переходили из сюжета в сюжет, меняя масштаб, среду и смысл. Музей сознательно уходит от слова «стиль» — в анонсе говорится о «способе работы»: рисовать, находить, собирать, переставлять, сталкивать и переводить изображение в новое состояние.

Омск девяностых как институциональный козырь

Особый акцент — на местном периоде 1990-х, когда графика, дизайн, телевидение, музыка, мода и клубная культура существовали рядом и постоянно обменивались людьми и визуальными языками. Сташевич был частью этой среды: в 1998–2003 годах он отвечал за визуальный стиль омского «12 канала» — графическую упаковку и оформление эфира. На выставке рядом окажутся студенческая графика, журнальная иллюстрация, телевизионный архив, дизайн, крупноформатная печать, проект «Утёсы», видео, лентикуляры и поздний «Бесконечный пляж» Sea by Stashevich, начатый в 2019 году. Музей прямо предупреждает: это не реконструкция эпохи, а демонстрация того, как приёмы Сташевича — коллаж, повтор персонажа, смешение графики и текста — сегодня читаются как часть обычной визуальной грамоты.

Один длинный рисунок

Для практикующего автора главный интерес выставки — не биография, а разбор механики. Сташевич не работал в одном узнаваемом стиле — он работал одним способом: переводить изображение из формата в формат, не теряя линии. Рядом окажутся детский карандашный лист, студенческая графика, эфирная заставка, журнальная полоса и лентикулярный коллаж — зрителю предлагают увидеть, что это одна рука, а не разные художники под одной фамилией. Прецедент сам по себе полезный: редкий случай, когда музейная институция собирает не «мастера», а сам процесс мышления графикой — от первого карандаша до цифровой печати. Вопрос, который повисает после анонса, жёсткий и прагматичный: способна ли нынешняя омская музейная сцена выстроить такую же длинную горизонталь для следующего поколения, или художников по-прежнему будут делить на «графиков», «дизайнеров» и «цифровиков», не замечая, что у большинства это одна и та же рука.